Pelis favoritas: 2017

2016 · 2018 · 2019

· 2019

Las súper favoritas.

-L'école des facteurs (1947): un corto sobre un cartero francés que siempre la lía parda. 

-Moon (2009): esta es una de mis películas favoritas de todos los tiempos, y va de un señor que vive solo en la luna con un robot.

-Nocturnal Animals (2016): me gustó tanto que la he visto dos veces, y porque me he contenido para no quemarla y poder seguirla disfrutando en el futuro.

-Seven Psychopaths (2007): esta también la he visto dos veces, y pienso en ella casi a diario. ¿Un western/comedia que hace parodia de los propios recursos que utiliza? Apúntame.
-Train to Busan (2016): la vi, me gustó, se la recomendé a una amiga, la volví a ver con ella, y lo pasé fatal igualmente. Mi cosa con zombies favorita. 

-The Way Way Back (2013): cómo sacar lo mejor posible de una situación horrible.
-The World's End (2013): los humanos somos un desastre, ¡pero somos humanos y tenemos derecho a serlo!

-Hell or High Water (2016): probablemente me guste porque es un western, y me flipa cómo ha cogido temas súper clásicos y los ha adaptado al siglo XXI. El año pasado la puse solo en favoritas, pero desde entonces no deja de rondarme el pensamiento, y de hecho la he vuelto a ver este año y ha entrado en mi lista secreta de películas favoritas de todos los tiempos.

-20th Century Women (2016): qué difícil es educar, y qué difícil es crecer, y qué bonita es esta película.

-Jurassic Park (1993): yo, a las 12 de la noche, con toda la casa vacía, gritando de emoción cada vez que pasaba algo que me gustaba mucho. Cómo la había echado de menos. 

-Indiana Jones and the Last Crusade (1989): esta es la mejor película de Indiana Jones y pelearé a capa y espada para defenderla. 

-La Llamada (2017): ojalá a mí también se me apareciera Dios y me cantara canciones de la negra esa que se murió (winni jiuston, es mi fan número uno). Tuve la suerte de poder ir a verla al cine y me pasé toda la película llorando y riéndome alternamente. Antes de que empezara me hice amiga de dos señoras que tenía sentadas en la fila de delante, y después me las encontré en el baño y estuvimos hablando de la peli un ratito. La magia de los Javis. 

-Frances Ha (2012): dice muchas cosas, no dice nada, y transmite un mensaje diferente a cada persona. Es mágica.
-Four Weddings and a Funeral (1994): cuatro romcoms en una, y encima una de las parejas son dos hombres. Flechazo total.

Las favoritas.

-Clouds of Sils Maria (2014): una actriz decadente no sabe gestionar que vaya a salir en la obra de teatro que le dio la fama 20 años antes, pero haciendo del personaje al que nadie presta atención.

-The Girl With All the Gifts (2016): esta es de las que es mejor verla sin tener ni idea de qué va, tendréis que fiaros de mí.
-Everybody wants some!! (2016): empezar la universidad, crecer, y seguir siendo un niño.
-Magic Mike (2012) / Magic Mike XXL (2015): me las vi en un solo día, en maratón, y me lo pasé fenomenal.
-Captain Fantastic (2016): cada vez me gusta más el campo y menos la ciudad. 

-22 Jump Street (2014): sí, me gusta más la secuela que la original. No tengo perdón de Dios.
-The Night Before (2015): me gustan mucho las pelis sobre amistad y sobre la Navidad. Y tiene un cameo de uno de mis actores favoritos.
-Much Ado About Nothing (2012): ¿es una opinión impopular que lo mejor de Shakespeare no son las tragedias, sino las comedias? Me gustó tanto y me lo pasé tan bien viéndola que me río cuando pienso en ella. 

-Punching Henry (2016): un señor muy mediocre y que da mucha vergüenza ajena, pero a mí me cae bien.
-Swallows and Amazons (2016): unos niños ingleses que se van de aventuras por el pueblo de su tía.
-The Final Girls (2015): una peli de terror para cuando te apetece ver terror pero también pasártelo bien. Colorines a diestra y siniestra.

-The Young and Prodigious TS Spivet (2013): esta también entra en la categoría de "me gusta porque es un western", pero es que además, ¡el protagonista es un niño!

-Once I was a Beehive (2015): mi madre se casó con un mormón y me mandó a un campamento (también mormón) a traición para disfrutar a gusto de su luna de miel, pero al final fue todo guay.

-A River Runs Through It (1992): lo que me gustan a mí las películas sobre crecer y la naturaleza, ¿eh? 

-Stand By Me (1986): parece que entra en la misma categoría que la anterior, se va notando un patrón. 

-Spring Breakers (2012): yo me creía que esto iba de gente de parranda, pero resulta que tiene un mensaje potente y muy bien planteado sobre el exceso y sus causas.
-John Wick: Chapter 2 (2017): por fin una peli de tiros que no tiene más guión que el estrictamente necesario para saber por qué se están matando.
-Death Becomes Her (1992): érase una vez dos amigas que querían ser inmortales pero se convirtieron en zombies. También sale Bruce Willis con pelo haciendo de tolai. 

-Arrival (2016): ¿una lingüista salvando el mundo? Ojalá más películas que defiendan que la vulnerabilidad nos hace fuertes. Esta también la vi dos veces. 

-The Great Waldo Pepper (1975): qué bonita la aviación en sus principios, y qué aburrida ahora.
-Kicking and Screaming (1995): una rabieta sobre lo difícil que es crecer y encaminar tu vida. 

-Jane Eyre (1943): todo lo bueno del gótico sin el relleno que tiene la novela.  

-Popstar: Never Stop Not Stopping (2016): casi no la incluyo porque, yo qué sé, es una película muy tonta, pero es que me lo hizo pasarme tan bien que en realidad sí la recomendaría.

Bonus: mis series favoritas del año.

-The Young Pope (2016): es el Papa... pero es Jude Law.   

-Leverage (2008-2012): un alcohólico, una actriz/estafadora, un friki, un matón y una ladrona se juntan para vengarse de la gente rica y malvada que abusa de la gente normal. Los quiero mucho a todos.

-The Leftovers (2014-2017): de la primera temporada solo recordaba que había una secta de gente que fumaba, pero la segunda y la tercera vivirán para siempre en mi alma.

-Halt and Catch Fire (2014-2017)

Better Watch Out (2016) y la masculinidad.

          Luke tiene doce años y está enamorado de Ashley, su niñera. Todavía tiene cara de niño, duerme con un aparato que imita los sonidos dentro del útero y, gracias a su madre, va impolutamente vestido y peinado. Luke y su amigo Garrett tienen doce años y mantienen conversaciones asquerosas sobre las mujeres en las que hablan de ella como si fueran trozos de carne.  En una de ellas cuentan que, si quieres follarte a una tía, tienes que ponerle una película de terror, porque la hormona que se segrega cuando se está asustado es la misma que se segrega cuando se está cachondo. Sin tener en cuenta los sentimientos y deseos de Ashley, creyendo que la quiere pero tratándola no como a una persona sino como a un objeto de deseo, Luke planea manipular sus sentimientos para que el supuesto amor que él siente por ella sea reciprocado.

         Durante la noche, crea ambiente romántico: enciende unas velas, pone una peli de terror en la tele, y se acurruca en el hombro de su niñera. Pero algo va mal: hay puertas que se abren misteriosamente, llega una pizza que nadie ha pedido, empiezan a oírse ruidos por la casa. Alguien lanza un ladrillo por la ventana: Si salís, estáis muertos. Alguien asalta la casa y se pasea por las habitaciones con una escopeta. Ashley toma el control de la situación: planea cómo moverse por la casa evitando al agresor, encuentra lugares en los que esconderse, y trata de proteger al niño que está a su cargo. En varias ocasiones, él intenta invertir los roles y ella se frustra: no, yo soy la adulta, tú eres un niño que está a mi cargo, yo soy quien tiene que encargarse de esto, yo soy quien tiene que protegerte a ti. A pesar de tener diez años menos que su niñera, Luke quiere hacerse el héroe y salvarla, llegando incluso a quitarle la pistola con la que los está defendiendo para empuñarla él. Y entonces se descubre que el agresor es Garrett. Los dos amigos habían planeado fingir que alguien entraba en casa para asesinarlos con el objetivo de conseguir que Luke consiguiera besar (o más) a Ashley. Hasta este momento, su personaje es ambiguo y un tanto desagradable, pero no es alguien que nos preocupe excesivamente. Es un niño de doce años normal, aunque lleve las cosas un poco al extremo. Porque es normal que, a esa edad, los niños ya cosifiquen y maltraten a las niñas: ¿a quién no nos ha tirado del tirante del sujetador un niño de doce años? ¿Quién no ha oído a un niño incomodando a una niña con comentarios sexuales? Cuando su plan se frustra, Luke tiene que improvisar.

-Why do you get to have all the fun?

-Because she’s my babysitter. You don’t touch her.

          Ashley se despierta atada a una silla y amordazada. Él le ofrece una salida a su situación: drogarla. De esta manera, se insinúa, abusarán de ella igualmente, pero no recordará nada cuando despierte. Y, además, perderá su reputación por haberse emborrachado mientras estaba al cuidado de un niño. Ella se niega a seguir este plan, pero esto no los frena. Ashley mira al infinito mientras Luke le toca las tetas y, cuando este le pregunta que qué tal la experiencia, ella le espeta: como si un niño de doce años me hubiera sobado. Garrett tiene prohibido tocarla porque es mi niñera. Un niño de doce años cree que una joven diez años mayor que él es de su exclusiva propiedad, y ha abusado de ella. No quiere que nadie más se le acerque, no quiere que nadie más la toque. Ahora ha dejado de ser ambiguo y desagradable para convertirse en alguien peligroso. Alguien que, si no consigue lo que quiere por las buenas, lo conseguirá a las malas, que agrede a quien no accede a sus acercamientos. Sin embargo, a pesar de haberla manipulado, de haberla secuestrado, y de haber abusado de ella, él  considera que es un buen tipo. No como los novios de Ashley, que son unos idiotas que no se la merecen. No. Él la quiere de verdad, y quiere protegerla de otros chicos que le hacen daño. Además, está sufriendo por su amor no correspondido, y eso le rompe el corazón. Por eso la secuestra y la tortura. Por eso idea un plan para abusar de ella, salir impune, y destruir su reputación. Luke cree ser un buen tipo, pero lo que es es un psicópata. La culpa nunca es suya, sino de los demás. En un momento dado, le dice a su amigo: mira lo que me has hecho hacer.  

        You Better Watch Out hace una cosa muy inteligente, que es no exculpar la asquerosidad de un tío mostrando que en el fondo es buena gente, sino usarla como una señal de alerta: mira en lo que puede convertirse. Te recuerda que, si alguien te da mal rollo, es por algo. Te grita que hagas caso a tu instinto. Y lanza un mensaje agresivo e incómodo: incluso los niños tienen integrado el mensaje de que ellos son sujetos que desean, y las niñas los objetos de su deseo. Y, si no acceden por las buenas, lo harán por las malas.

Halt and Catch Fire (2014-2017)

Halt and Catch Fire, como comando, hace que un ordenador se ponga a hacer cosas a lo loco y deje de realizar sus funciones normales. Halt and Catch Fire, como serie, ha hecho que me duela la cara de aguantarme las lágrimas.  

En Halt and Catch Fire hay uno de los reflejos más realistas que he visto de la amistad en toda mi vida. Los cuatro protagonistas son seres humanos complejos, imperfectos, que cometen errores y que se hacen daño los unos  los otros. Pero también son grandes amigos que siempre están ahí para los demás en sus momentos de dolor y de necesidad, que aunque estén muy enfadados se siguen queriendo. Que lamentan la amistad perdida y buscan reencontrarla. Que perdonan tal y como los perdonan a ellos. Son personas reales, que sufren, que pasan por grandes momentos de crisis y emergen victoriosos pero heridos. Que se reinventan a sí mismos constantemente.

Gordon, Donna, Cameron, Joe, y las personas que los rodean nunca se dan por vencidos, y tropiezan una y otra vez con la misma piedra. En el último capítulo, Cameron habla de la recursividad. De cómo algunas ecuaciones funcionan de manera que el resultado se vuelve a insertar en la ecuación, creando una estructura gigante e infinita. De esta misma manera funciona la vida. Volvemos a seguir el mismo camino una y otra vez por mucho daño que nos haya hecho y por muy seguros que estemos de esta vez nos va a llevar a la misma conclusión.  

Lo que Halt and Catch Fire nos enseña es a querernos, a nosotros mismo y a los demás, tal y como somos. A ver los defectos de las personas a las que queremos y aún así amarlas con todo nuestro corazón. A perdonar, a dar segundas oportunidades. A reinventarnos a nosotros mismos. A disfrutar del camino, sin importar el dolor que nos aguarde en su final. 

Thor: Ragnarok (2017)

Atención: spoilers.

Thor: Ragnarok, O el valor de la familia. Odín muere. Como consecuencia de esto, Hela, la primogénita, quiere hacerse con el trono. No le importa ni siquiera destruir Asgard, su hogar, para lograrlo. 

Thor está perdidísimo en la vida tras la muerte de su padre, y para más inri pierde su martillo y lo secuestra un señor que lo convierte en gladiador. Thor, en pleno duelo, recurre a la empatía para solucionar el problema. Le confiesa a su hermano que, a pesar de todo, de pequeño lo admiraba. Demuestra que lo conoce, anticipándose a sus movimientos. Intenta no pelear con Hulk cuando, estando en la arena, este aparece por la puerta de los leones. Cuando vuelve a ser Bruce, se preocupa por tranquilizarlo para que no vuelva a quedar atrapado dentro de la bestia verde. Aunque cree que ha perdido su poder, no deja de luchar para volver a Asgard e intentar salvarlo de la destrucción que ha traído Hela. 

Y es precisamente esta empatía la que hace que Thor consiga volver a encontrarse a sí mismo. Porque Thor tiene visiones en las que Odín le habla y, en una de ellas, su padre le dice que no necesita el martillo. Que, lo tenga o no, sigue siendo el Dios del Trueno. Y que el hogar no es un sitio, sino las personas que habitan en él. Y Loki, que siempre ha sido el Dios de las Travesuras, comete una para salvar el suyo. Y es Thor el que la propone. Y los dos hermanos se reconocen el uno al otro y queman puentes entre ellos y su hogar. Porque, a veces, para salvar algo, hay que destruirlo.

Bonus: Noah escribió un texto súper bonito sobre Thor: Ragnarok e intentar ser buena gente aunque nos resulte difícil que, por supuesto, os recomiendo. 

Coherence (2013)

Me gusta que el arte sea accesible. Creo que, si una obra es excesivamente compleja, es porque el creador no ha sabido explicarse con claridad*. Lo que hace bien Coherence es, precisamente, simplificar una premisa científica compleja de tal manera que queda al alcance de cualquier espectador en un primer visionado. 

Esta premisa la conocemos todos, más o menos: el gato de Schrödinger, la noción de que  varias realidades alternativas coexisten. La interpretación que se hace es sencilla. En lugar de apabullarnos con los entresijos de la ciencia, se nos da libertad para llenar la caja de Schrödinger con lo que traigamos de casa. Y es en esa libertad, en esa fe en el espectador, donde la película brilla: al no tener que estar esforzándonos por entender la ciencia, podemos prestar más atención a lo que está pasando y comparar la realidad que se nos presenta con la nuestra, buscar paralelismos y diferencias, darle vueltas y verla desde diferentes perspectivas.

Lo que nos facilita esto es que la película da más importancia a las personas que a la ciencia. El epicentro de todo son sus miedos, sus motivaciones, sus inseguridades, sus vínculos. Siempre que surge un conflicto, este parte claramente del choque entre sus diferentes motivaciones, de la historia compartida que arrastran. Creo firmemente que, para que la ficción tenga un efecto profundo y duradero en el espectador, el foco principal de la obra han de ser los personajes. Sin alguien a través de cuyos ojos mirar e interpretar el mundo que se nos plantea, una historia no nos dejará huella ni nos dará una nueva forma de ver el mundo. Coherence nos permite entrar a su realidad no desde la ajena perspectiva de la ciencia, sino desde la familiar perspectiva humana. Y eso es lo que me ha hecho querer hablaros de ella y recomendárosla. Humanos siendo humanos en una situación trascendental.

*Aquí ya entramos en que también puede considerarse que el arte puede crearse por el mero hecho de crearlo, pero yo creo firmemente que es un proceso comunicativo, y no puede existir comunicación sin comprensión.
Bonus: una entrevista con el director en la que habla de cómo trabajó los personajes con los actores y un poco sobre las ideas básicas de la parte de ciencia ficción. Alerta spoilers. 

A Ghost Story (2017)

Me daba mucho miedo ver A Ghost Story. Tenía miedo de verla en un momento en el que mi estado de ánimo no fuera el adecuado y que no me gustara. Tenía miedo de no entenderla, tenía miedo de que no me llegara. Verla un viernes, de noche, sola en casa, fue el escenario perfecto.

Una cosa que me gusta mucho es que el fantasma tiene peso real, tiene gravitas. No va flotando por el aire ni se desliza con facilidad, sino que va andando despacio, como si le pesaran los pies, como si tuviera que expiar un pecado, como si arrastrara consigo una pena infinita. Y creo que es eso lo que hace que, a pesar de que no podamos ver su cara, podamos sentir exactamente lo que está sintiendo hasta el punto de llorar y gritar de frustración, pena y alivio. 

Que alguien haya conseguido capturar tantos sentimientos con una cámara me parece mágico.  

"Rosemary's Baby" (1968) y el patriarcado.

Lo gracioso de todo esto es que la peli es de Roman Polanski.

    Rosie y Guy se mudan a un edificio de apartamentos victorianos en el corazón de Nueva York. El piso en el que ahora viven solía ser una única mansión que ha sido partida y reconvertida en varios pisos. El suyo, en concreto, solía formar una única vivienda junto al de sus vecinos de al lado. La partición es extremadamente fina, y se puede escuchar a los vecinos, una pareja anciana un poco acosadora, desde cualquier parte de la casa. En casi todos los planos en los que aparecen, incluso desde el principio de la película, la cámara los graba de frente y retrocede mientras ellos avanzan hacia ella.

    Guy no respeta que a su mujer le perturbe la actitud de la pareja y quiera evitarlos, y la situación empeora incluso más cuando ella se queda embarazada: todo el mundo decide por Rosie excepto ella. Pero antes de hablar de lo que pasa durante el embarazo, me gustaría copiaros aquí una conversación literal de la película. Una noche, Rosemary tiene un sueño perturbador en el que está en un barco con su marido, sus vecinos y los amigos de sus vecinos, y le prohíben que Hutch, su único amigo, la acompañe. En esa misma pesadilla, se ve a un Demonio forzándola. Cuando se levanta, tiene arañazos en la espalda. Durante la conversación que tiene con su marido esa mañana, él le dice que anoche tuvieron sexo, y ella le dice que por qué mientras estaba inconsciente, que por qué no se ha esperado a la mañana siguiente. Él le quita importancia al asunto y hay una pausa en la conversación. Después de esa pausa, se pronuncian estas dos frases.

-Rosie: [compungida] I dreamed someone was... raping me. 

-Guy: I didn't wanna miss baby night. 

    Tras quedarse embarazada de esta forma, los vecinos de Rosie la aíslan aún más, visitándola continuamente de manera inoportuna, cambiándola de médico sin su consentimiento. Su marido no solo no intenta impedirlo, sino que favorece esta actitud. El médico de Rosie le prohíbe que lea libros sobre el embarazo y que hable con otras mujeres acerca de esta experiencia, y le regaña cuando lo hace. Le han arrebatado el control sobre su propio cuerpo y le han negado el conocimiento que tiene derecho a adquirir. Quieren que esté débil, que se sienta perdida y sola. Quieren tenerla bajo su control. Tiene dolores abdominales, cada vez está más demacrada y está perdiendo peso. Nadie hace nada por ayudarla. Rosemary es consciente de la situación en la que está y se esfuerza por liberarse del lazo en el que está atrapada. 

    En un esfuerzo por retomar el control de su vida, celebra una fiesta en la que prohíbe que venga nadie que tenga más de 60 años y en la que tiene un colapso nervioso estando en la cocina. Sus amigas acuden en su ayuda y cierran la puerta con llave. Girls only, le dicen a Guy cuando intenta entrar a la fuerza. Son las amigas de Rosie, mujeres jóvenes, las que intentan protegerlas del paternalismo al que la someten su marido y sus vecinos. Cuando les cuenta que lleva meses sintiendo dolor abdominal y que el médico no le hace caso, montan en cólera. ¿Llevas sintiendo dolores desde noviembre y no ha hecho nada por ayudarte?, le dicen, incrédulas y dolidas. Cuando se van, el marido las llama putas y le dice a Rosemary que no debe juntarse con gente así. Cuando Hutch, un amigo de Rosie, le regala un libro, le prohíbe leerlo y lo pone en lo alto de la estantería, donde sabe que ella no llega. Días después, con Rosie subida en una silla buscándolo, se produce la siguiente conversación:

-Rosie: where's my book?

-Guy: oh, put it in the garbage. I didn't want you upsetting yourself.

-Rosie: Guy, Hutch gave me that book. He left it to me.

-Guy: I wasn't thinking of that.

-Rosie: that's terrible. 

    Rosemary's Baby no es una historia de terror porque hable del Demonio, sino porque refleja uno de los elementos más oscuros de nuestra sociedad. Algo que llevamos siglos intentando dejar atrás y que nos persigue, implacable, como un monstruo en una pesadilla. Refleja una sociedad que no tiene en cuenta los sentimientos ni los deseos de las mujeres, que quita importancia a la violación de manera explícita, que les prohíbe adquirir el conocimiento que las haría libres. Una sociedad que no considera a las mujeres como seres autónomos, sino como objetos a ser utilizados para conseguir un fin, como niños por los que se debe decidir porque no tienen criterio. Lo más aterrador de Rosemary's Baby no es lo sobrenatural sino, como pasa en la literatura gótica, lo real. Y qué mejor lugar para emplazar esto que la cuna del gótico: un edificio victoriano. 

Bonus: he encontrado el guión en internet.

PD: he estado haciendo un poquito de investigación y por lo que se ve la peli es una adaptación extremadamente fiel de la novela original de Ira Levin, rollo escena a escena y diálogo a diálogo, así que creo que le voy a quitar a Polanski el mérito y se lo voy a dar al escritor. Peace out. 

The Brain That Wouldn’t Die (1962)

Igual que The Love Witch, The Brain that Wouldn't Die es cutre, es cine de serie B. E, igualmente, consigue tratar los temas de los que habla con inteligencia y de manera interesante. Partiendo de la premisa que nos regaló Mary Shelley hace casi dos siglos, el protagonista es un científico loco que quiere hacer algo que va más allá de la ciencia del momento. En los 60, los trasplantes de órganos eran una cosa nueva, que existía desde hacía apenas 10 años. Bill Cortner, nuestro científico loco de turno, quiere hacer un trasplante de cabeza. Su ayudante, Kurt, tiene un brazo deforme a causa de un trasplante fallido realizado por Cortner. 

Al igual que Frankenstein nos plantea dudas éticas acerca de los avances científicos de la Ilustración, The Brain That Wouldn't Die se hace preguntas contemporáneas al momento de su producción.  En los años 60 el debate sobre la eutanasia se reavivó, y la primera frase de toda la película es: "¡Déjame morir!". El objetivo de Bill no es solo hacer un trasplante imposible, sino hacer vivir a quienes deberían morir a costa del sufrimiento físico y psicológico de los propios pacientes. 

En esta misma época el Código Hays estaba ya debilitado (desaparece en 1967), y Bill y la cámara se recrean observando los cuerpos de las mujeres que se cruzan en su camino. Si Elizabeth, la novia de Víctor Frankenstein, es un emblema de pureza, Jan, la novia de Bill, tiene un carácter marcadamente sexual. Ya que Jan necesita un cuerpo nuevo, asegurémonos de que este sea sexualmente atractivo. Un gran porcentaje de la película sigue a Cortner en su caza de una mujer sexi. Y lo llamo caza porque literalmente intenta acorralar y engañar a varias mujeres para llevarlas a su territorio y matarlas. 

Es posible que tenga un punto débil para las películas malas que dicen cosas inteligentes, pero la verdad es que The Brain That Wouldn’t Die me ha conquistado. Será cine B, pero ha conseguido coger los temas de Frankenstein, una novela publicada por primera vez en 1818, y adaptarlos al nuevo mundo en que vivimos.  

Wonder Woman (2016)

En mi clase de combate del gimnasio, tenemos un ejercicio que se llama Iron Man cuyo nombre no me inspira nada. El otro día, nuestra entrenadora nos enseñó uno llamado Wonder Woman, inspirado en esta película. Mientras nos lo enseñaba, nos habló de Diana y de las Amazonas y relacionó algunos movimientos de la película con los que aprendemos en clase.

Esto fue lo que me inspiró a ver Wonder Woman. La vi con un chico y una chica, y he de reconocer que pensaba que exagerábais el mensaje de girl power de la película hasta ese momento. Wonder Woman nos presenta un mundo utópico del que lo primero que vemos es un campo de entrenamiento en el que solo hay mujeres. Simbólicamente, esta utopía se viene abajo cuando, accidentalmente, un grupo de soldados la encuentra y la arrasa, matando en el proceso a unas cuantas Amazonas. En Wonder Woman, es Diana la que realiza proezas sobrehumanas y es la protagonista de momentos de acción irreales, la que sobrevive a cosas imposibles. En un momento dado, el chico se rió de "lo poco realista que es esto" y mi amiga le contestó: sí, pero es una chica.

No suelen gustarme las películas de superhéroes, y pocas me inspiran nada más allá de entretenimiento. No voy a mentiros y deciros que me ha encantado Wonder Woman, ni tampoco que me ha parecido una película perfecta. Comete muchos pecados que otras películas del mismo género también cometen. Sin embargo, ha conseguido algo más importante que gustarme: transmitirme, durante dos horas y veinte minutos, un sentimiento de poder. 

Arrival (2016): Parte II

Si la primera vez que reseñé esta película hablé sobre que me había tocado la fibra como lingüista, esta segunda vez me ha tocado la fibra como ser humano. Es una película en la que se reivindica el poder de la vulnerabilidad. En un género como la ciencia ficción, en el que los protagonistas siempre son científicos de mente fría y que, especialmente cuando trata con aliens, recurre a la violencia, Arrival es un soplo de aire fresco.

Lo que define Arrival es lo vulnerable que es su protagonista, y que este rasgo se convierte en una herramienta para ayudar a la humanidad a alcanzar un mejor futuro. Louise defiende el poder de la comunicación y de la empatía. La película entera está llena de metáforas sobre esto, pero también lo dice de forma explícita. Ante un puñado de científicos y militares que quieren respuestas y las quieren rápido, Louise se quita el uniforme, les extiende la mano a los recién llegados y se presenta. Ante un puñado de científicos y militares que quieren respuestas y las quieren rápido, no se achanta y defiende que hay que andar con cautela, que hay que ponerse en la piel del otro y pensar en los matices. Louise siempre aboga por la cooperación internacional, defiende la necesidad de diálogo y de unidad. Cuando se entera de que un equipo se está comunicando con los aliens mediante un juego de guerra y estrategia, es Louise la que se da cuenta de las implicaciones que esto tiene: que conceptualiza todas las interacciones a través de los conceptos de enfrentamiento, derrota y victoria. 

En un mundo en el que se ensalzan las ciencias y el pensamiento racional, Arrival nos recuerda que el lenguaje es la mejor y más fundamental herramienta que poseemos los seres humanos. Nos inspira a mimarlo, a valorar su importancia, y a emplearlo para construir un mundo mejor.   

The Young And Prodigious T.S. Spivet (2013)

T.S. es un niño-genio que vive en un rancho perdido en La Nada, Montana. Su padre es, según su propia definición, "un cowboy nacido un siglo demasiado tarde", su madre una entomóloga asesina de tostadoras, y su hermana una actriz incomprendida. T.S:, desatendido por sus padres tras la muerte de su hermano, fabrica una máquina de movimiento perpetuo y le dan un premio del Smithsonian. Así que, ni corto ni perezoso, llena una maleta enorme con un montón de cosas absurdas que él considera absolutamente imprescindibles y cruza el continente americano colándose en trenes. 

Es una de esas películas que tienen vida propia, alma, que son habitadas por personajes que brillan con luz propia y que inspiran muchísima ternura cada uno a su manera. Además, tiene una atmósfera súper relajante.

Bonus: sale Helena Bonham Carter (súper guapa) haciendo de científica adorable.

Pecados: el personaje de la hermana es súper cliché. 

Cosas que dan para ensayo pero tampoco es plan: la familia, sobre todo T.S. y su padre, están escritos claramente como neurodivergentes.

Willow Creek (2013)

Rodada estilo documental/metraje encontrado, Willow Creek nos muestra la historia de Jim, que cree en Bigfoot, y Katie, una escéptica. Después de una introducción en la que hacen entrevistas a la gente de Willow Creek, el pueblo cerca del que se grabó a Bigfoot por primera vez, se adentran en el bosque en busca del Sasquatch (que es otro nombre para el críptido). 

El gran acierto de esta película es que no usa efectos especiales. Willow Creek encierra a Jim y Katie en una tienda de campaña en la que el único punto de luz es el foco la cámara que están usando para rodar. Esto hace que, a falta de estímulos visuales más allá de la cara de los protagonistas, nos fijemos en los sonidos que oyen a su alrededor (que es precisamente en lo que están concentrados ellos). Con buenas actuaciones y un montaje de sonido espectacular, sin necesidad de jumpscares*, consigue generar tensión en el espectador. Queda, en efecto, recomendada. 

*En realidad tiene uno casi al final y me pareció fatal, pero bueno.  

The Transfiguration (2016)

Mi gran descubrimiento de este año ha sido el cine de terror. Me he empapado de este género que antes evitaba a toda costa y en él he encontrado una especie de reflejo esperpéntico, distorsionado pero fiel a la realidad, del mundo en que vivimos. En The Transfiguration, que es su primera película, Michael O'Shea escribe al monstruo de una manera única y fascinante: lo hace real, de carne y hueso. En vez de elaborar una metáfora a partir de una realidad, coge esa metáfora y la literaliza. Y, desde el primer minuto, la película te engancha con sus garras y hace que te pongas a pensar. Os la recomiendo infinito.  

The One I Love (2014)

Ethan y Sophie son una pareja de mediana edad que siente que su vida es monótona y que se está desenamorando. Han dejado de encontrar la felicidad en las pequeñas cosas y son incapaces de salir del bucle en el que están y de mirar más allá de lo pasado hacia el futuro. Así que van a terapia de pareja, y su psicólogo les recomienda que se vayan un fin de semana a una casa de campo a relajarse y reconectar el uno con el otro. ¿Que por qué la etiqueto como ciencia ficción? Porque usa algo que está más allá de nuestra comprensión científica del mundo que nos rodea para explorar la condición humana. Y hasta aquí puedo leer.

Sunny (2011)

De alguna extraña manera, Sunny me ha curado una crisis existencial y, a la vez, me ha causado una crisis existencial. Korea, años ochenta. Una adolescente se cambia de instituto y un grupo de chavalicas la adopta. Están en esa edad en la que se grita por la calle, se montan coreografías con tus amigas, y todo es intensísimo. Y la amistad que forjan en esa etapa crítica de su vida permanecerá hasta la vida adulta: a pesar de que ninguna esté donde pensaba que iba a estar, a pesar de que se hayan distanciado, se reencuentran y la vida pasa sin haber pasado. Preparaos para llorar pero en plan bien. 

Puntos extra: los paralelismos están maravillosamente construidos y da gusto verlos. 

Nocturnal Animals (2016): Parte II

La primera vez que vi esta película, le escribí una reseña acerca de cómo estaba escrita y estructurada desde el punto de vista narrativo. Esta vez, vengo a hablar de cómo me ha flipado la manera que tiene de tratar los temas principales.

Esta película tiene algo salvaje, algo primitivo. Los temas de la venganza, de la violencia, destacan especialmente por la fusión que hay entre la realidad y la ficción. La soledad desgarradora, la sensación de peligro que acecha donde menos te lo esperas.

Por algún motivo, temáticamente, Nocturnal Animals me recuerda a El mundo según Garp. El libro también trata sobre el ser escritor, la motivación y lo que se percibe como falta de ambición y de realismo. De hecho, una de las frases de la película transmite una idea que también se refleja en la novela: escribimos para engañar a la muerte, para intentar otorgarle una vida infinita a algo que está abocado a morir. El ruido, la furia, y esos temas atemporales.

The Love Witch (2016)

Cuando empieza parece que va a ser súper cutre. Y, en cierto modo, lo es. Mal actuada, con efectos especiales sesenteros, absurda en algunos momentos, y exageradamente auto-explicativa. Sin embargo, hay dos elementos que compensan esto: la tradición del cuento medieval y la crítica feminista. 

En The Love Witch hay muchos tópicos literarios que parecen literalmente sacados de un cuento de la Edad Media. En muchas ocasiones, puedes reescribir una escena para narrarla alrededor de una chimenea en una noche de invierno, o alrededor de una fogata en una noche de verano. Una joven y atractiva bruja que usa la Wicca para seducir, torturar, y matar a los hombres que hay a su alrededor. 

Estos tópicos literarios están envueltos de manera muy acertada y explícita en diálogos que explican y critican el patriarcado. Las brujas son conscientes de que viven en una sociedad que las hipersexualiza y mistifica y deciden hipersexualizarse y mistificarse a sí mismas para conseguir a los hombres que desean. A través de los diálogos se respira una crítica a una sociedad en la que las mujeres no existen más allá de los hombres y en la que las mujeres no son seres humanos sino ideales. Los hombres son incapaces de amar a una mujer porque solo pueden amar al ideal, a la mujer abstracta, por lo que su amor por su pareja se desvanece cuando el ideal deja paso a la mujer real.

Si tengo que buscarle una pega, os diría que es difícil tomársela en serio hasta que pasa media hora y te das cuenta de lo que se cuece. También hay que saber mirar más allá de las malas actuaciones y de los diálogos ridículamente explícitos. Si consigues hacer esto, ves una historia con un mensaje que está bien entramado. Especialmente recomendable verla con alguien para poder comentarla después.  

The Handmaid's Tale (2017)

They should've never given us uniforms if the didn't want us to be an army.

Lo que más he ha fascinado de esta serie, basada en una novela de Margaret Atwood, han sido los mecanismos que se emplean para construir el mundo. Y, como la cabra siempre tira al monte, los que más me han gustado han sido los lingüísticos. Siempre que veo una serie en la que, por algún motivo, se genera una especie de realidad alternativa diferente a la nuestra, presto especial atención a las construcciones lingüísticas que se emplean para definir esta realidad. 

Los hombres de Gilead despojan a todas las mujeres de este país de su nombre y las confinan a espacios que giran en torno a la servidumbre hacia ellos: las Marthas (criadas), las esposas (Señora de X) y las criadas, como Offred (of+Fred). En una sociedad patriarcal al extremo, las mujeres no solo son inferiores al hombre y lo sirven, sino que sus nombres, su identidad, dependen por completo de ellos. Uno de los grandes pequeños actos de rebeldía de las criadas es llamarse entre ellas por su nombre de pila; y algo que me parece un acierto es que en ningún momento de la serie sabemos el nombre de las esposas. Esta historia no es sobre ellas, sino sobre las criadas, que las consideran unas traidoras. 

En el caso de El cuento de la criada, Offred y Fred, enemigos no declarados, se dedican a jugar al scrabble. Me parece un acierto que, habiendo podido usado la metáfora del ajedrez, asociada con la guerra, se haya empleado la de un juego en el que derrocas a tu enemigo a través de tu capacidad de manipular el lenguaje. Porque esto es precisamente lo que se ha hecho en este universo. No solo se ha destruido la democracia y se ha sustituido por un sistema que se sirve de la ley Bíblica para dar poder a los hombres, sino que se ha manipulado el lenguaje para que sirva a este sistema. Una cosa que me gustó mucho en la serie fue cuando celebran una especie de ceremonia pública con todos los gobernantes y, ¿dónde la celebran? ¿En un edificio gubernamental? Já. Qué va. En un edificio que, a claras luces, solía ser una iglesia. El Gobierno es la Iglesia y la Iglesia el Gobierno. 

Sin embargo, echan abajo las iglesias. Ahorcan a los curas. Siguen las leyes Bíblicas que les interesan, las interpretan de manera que siempre sean ellos los que salgan beneficiados. Una de mis escenas favoritas es cuando Offred se rebela contra la manipulación de la cita de "bienaventurados los débiles, porque de ellos será el Reino de los Cielos". Esta frase es usada a lo largo de la serie para intentar que las criadas no se rebelen, para forzarlas a que se resignen. Y cuando a Offred se la citan por enésima vez y le preguntan: ¿Es que no conoces la Biblia? Ella contesta que sí, que claro que la conoce. Y continúa citando: "Bienaventurados los que tienen hambre y sed de justicia, porque ellos serán saciados". ¿Y qué desean las criadas excepto justicia? 

Este tipo de dicotomías, de paradojas, de lenguaje usado para favorecer a los más fuertes, también aparece de manera espontánea, en frases que se dicen sabiendo perfectamente lo que significan en momentos en los que alguien se queja contra la injusticia. "Lo mejor no es lo mejor para todo el mundo". "Que algo sea justo no quiere decir que sea justo para todos". Los poderosos creen que tienen derecho a hacer lo que deseen, y son conscientes de que para ello tienen que aplastar a los demás. Para ello, intentan justificarse en la Biblia, y cuando esta les falla, en el argumento del "bien común". 

Este contraste también lo encontramos nuestra narradora, en Offred. Una de las cosas más refrescantes de la serie es la enorme diferencia que hay entre lo que dice y lo que piensa. Mientras que su voz exterior expresa conformidad, su voz interior sigue siendo la misma que era antes. A pesar de todos los esfuerzos que se han hecho por eliminar su identidad, ha conseguido retenerla. Offred sabe cuál es la verdad, y puede verla a través de todas las mentiras en la que la han intentado sepultar. El resto son spoilers. 

Spring Breakers (2012)

Mitad reflexión sobre los extremos a los que llegan algunas personas para compensar u olvidar la presión de las expectativas académicas, mitad historia de terror sobre el mal que todos llevamos dentro. Los sacrificios personales que tenemos que hacer, la auto-tortura a la que nos sometemos para alcanzar las expectativas sociales y académicas que caen sobre nuestros hombros, hacen que algunas personas graviten hacia un hedonismo que a veces es tan excesivo que nos lleva a dejarnos arrastrar por la euforia y a ser incapaces de ver el peligro. 

Y si no conseguimos ver el peligro a tiempo, si nos dejamos cegar por la lujuria, pueden emerger partes de nosotros que no nos gusten. Saber sacarnos a nosotros mismos de una situación peligrosa no es solo salvarnos del peligro externo, sino también del lobo feroz que llevamos dentro. En esta película, es fácil saber cuál será el personaje que huya y los que se queden (los americanos, la religión y el slut-shaming), pero creo que un buen compás moral, una buena intuición, no tienen por qué ir ligados a ser creyente. 

Me ha sorprendido porque pensaba que iba a ser la típica película que glorifica los excesos pero, en vez de eso, es una advertencia sobre lo que pasa si nos damos a la lujuria hasta asalvajarnos.  

Bettlejuice (1998)

Había leído tantas cosas buenas de Beetlejuice que dije, bueno, tendré que verla aunque no me apasione Tim Burton (la pièce de resistance fue que me dijeran que salía Winona Rider, para que mentiros). ¿Y me ha encantado? O sea, desde el minuto uno muestra algo que no se ve casi en el cine, que es una pareja adulta que no tienen hijos, son muy amigos, se quieren mucho y son súper felices. Y luego, es una peli de terror en la, en que los momentos que tendrían que ser de terror, te das cuenta de que es una comedia y te ríes a pleno pulmón. ¡Además, tiene números musicales! 

Probablemente ya la habéis visto todos porque llego súper tarde a la fiesta, pero si todavía no la habéis hecho, os la recomiendo súper fuerte. Os vais a reír muchísimo y vais a pasar una hora y media la mar de entretenida. 

The Prophet (2014)

Una niña con mutismo selectivo que siempre se está metiendo en jaleos sigue a su madre al trabajo en vez de ir al colegio. Ahí conoce a un poeta y lo sigue en su camino y escuchando sus discursos sobre el amor, el trabajo, y la vida. No quiero deciros más para no arruinaros el efecto que tiene la película, pero os aseguro que es una joya que va a limpiaros el alma. La recomiendo infinito. 

T2 Trainspotting (2017)

Me daba miedo ver esta película porque no me gustó la primera, y pensaba que ya no había más que contar, que era tirar del hilo de forma innecesaria. Mi reacción al enterarme de que existía no fue "¡buah, chaval, necesito verla!", sino más bien "pues bueno, han sacado una secuela, habrá que verla, espero que no sea una mierda". Y mi deseo fue concedido: me ha encantado todo lo que me no me gustó la de 1996. 

Creo que mi problema con la primera película es que no podía identificarme ni con la historia ni con los personajes. Creo que, para al menos entender el contexto en el que se enmarca la historia de Trainspotting (1996), tienes que haber sido veinteañero en los últimos años de los noventa, cuando el mundo se moría y el año dos mil acechaba desde las tinieblas de lo desconocido. Y yo, en 1996, no sabía ni hablar. Esta segunda parte tiene una perspectiva más universal: ¿cuáles son las consecuencias de nuestros actos? ¿Es imposible cambiar nuestro futuro? ¿Existe el destino? ¿Existe la redención? Incluso los paralelismos con la primera película no tienen como única función satisfacer a los fans, sino también servir como paralelismos narrativos: quién os ha visto, y quién os ve. Para bien, y para mal. Cómo hemos cambiado. 

Si os gustó la primera y echáis de menos a los personajes y queréis saber qué tal les ha ido la vida, os la recomiendo. Si no os gustó la primera, u os dejó indiferentes, también os la recomiendo. De todas las pelis que he visto este 2017, esta está sin duda en lo alto de la lista de favoritas. 

Punching Henry (2016)

Esta película en realidad la vi el 17 de abril, es decir, hace más de un mes. Y me gustó, sin más, y pensé que sería una de esas que caería en el olvido. Pero no. La atmósfera de Punching Henry, la energía que me transmitió, sigue acompañándome doquiera que vaya. Es una historia sobre un señor brillantemente mediocre pero que se mantiene fiel a sus principios y a sus amigos. Henry es, como puse en mi minireseña del día en que la vi, "un poco bastante bobo", pero al final se gana tu corazón y te inspira un montón de ternura. Es una película curiosa, porque transmite un mensaje increíblemente importante de una manera completamente falta de ambición: ¿ser fieles a nosotros mismos, a nuestros orígenes y a nuestros amigos, o venderlos para conseguir una estrella? La elección de Henry no es sorprendente si tenemos en cuenta su personalidad, y tampoco es absolutamente innovadora. Es un tema tan antiguo como la humanidad sobre el que se ha escrito en miles de ocasiones, pero jamás lo había visto representado con tanto mimo y ternura como en Punching Henry.

Así que, más de un mes después, os invito a que os preparéis vuestra bebida favorita y os sumerjáis en una película que, como Henry, puede parecer mediocre, pero no lo es. 

The Leftovers: Temporada 2 (2015)

Cuando vi la primera temporada en 2014, me gustó, pero no me dejó ningún tipo de huella ni me hizo querer ver la segunda temporada. De hecho, lo único que recuerdo de la primera temporada es que había una secta de gente que va en chándal y fuma como si no hubiera un mañana (pun intended). Sin embargo, cuando hace poco terminó la tercera temporada, decidí darle una oportunidad, y me alegro infinitamente de haberlo hecho.

Esta segunda temporada es una de las mejores temporadas de todas las series que he visto en mi vida. Es todo lo que prometió ser la primera y nunca fue. Está cargada de simbolismo, de pathos, y los personajes son tan polifacéticos que duelen. Cuando alguien te cae fenomenal, descubres algo horrible sobre ellos. Cuando alguien te cae fatal, descubres una faceta suya que los redime por completo. Toda la carga religiosa que la primera temporada no supo utilizar está integrada de tal manera que, creyente o no, la comprendes y la disfrutas. Está llena de misterios, pero también de respuestas. Y siempre los afronta desde el punto de vista de cómo aquellos que viven una tragedia, una situación imposible de sobrevivir, sobreviven y aprenden. 

Además, hace una cosa que a mí me flipa, y es coger canciones que no han sido escritas para la serie en exclusiva y emplearlas de tal forma que encajan como un rompecabezas con lo que ha sucedido y con lo que está sucediendo. Dejo aquí un ejemplo de mi capítulo favorito. Como comenté con mi amigo G., los capítulos de Matt Jamison son lo que salvó la primera temporada y los mejores de la segunda. Alerta espoiler.

The Leftovers te anima a que hagas un salto de fe y confíes en que, por muy rota que esté una persona y por violenta que pueda ser, también es capaz de actos de bondad infinita. En cada uno de los capítulos ves al protagonista cometer los pecados más horribles para acto seguido redimirse ante los ojos de Dios, o del espectador. Igual que no recomendé para nada la primera temporada, os recomiendo encarecidamente que veáis la segunda. A mí me ha enamorado.

Lola Rennt (1998)

La Rubia y yo quedamos una vez a la semana para ver una película. Antes íbamos al teatro, ahora las elegimos nosotras, y esta semana le tocaba a ella. Aunque ya me había dicho que era "chunga postmoderna" (sic.), me imaginaba que iba a ser más tradicional, y no me esperaba para nada que fuera a encantarme tanto. Con un giro de el guión que sabes que va a llegar pero no cómo, y rompiendo las expectativas que tienes cada vez que Lola gira una esquina, los 90 minutillos que dura esta película te mantienen pegado a la pantalla como si te fuera la vida en ello (pun intended). 

Súper recomendadísima. 

20th Century Women (2016)

El contexto histórico cambia, pero los humanos somos humanos a través del tiempo y el espacio. Un chaval adolescente enamorado de su mejor amiga, su madre criada durante la Gran Depresión, un manitas que no puede enamorarse y una punk en remisión de cáncer de útero comparten una casa en la que todo necesita obras y se enfrentan a la vida apoyándose entre ellos, venciendo a las estadísticas, sucumbiendo a las estadísticas, y siendo humanos hasta romperse. Me he emocionado y he llorado mucho porque jo, la vida.  

Moonlight (2016)

Esta es probablemente mi favorita de la temporada de premios. Es una historia preciosa contada con un mimo infinito y con mucha ternura y cariño por los personajes, que están tan vivos que parece que, de un momento a otro, van a llamar al timbre de tu casa y autoinvitarse a la merienda. 

Mágica como ella sola. 

Mia Madre (2015)

La enfermedad y el duelo que esta conlleva están tratadas en esta película con un realismo que asusta. No se exagera el lado cómico ni el trágico, sino que se tratan ambos con absoluta sinceridad. Si esto ya es de por sí raro, hay otro elemento que hace que la película pase de poco común a extraordinaria: que estos elementos se representan con fidelidad tanto desde el punto de vista de los familiares como del enfermo, y que la relación entre los personajes es natural como el agua de un manantial. Las maneras que cada uno tiene de lidiar con el dolor son diferentes dependiendo de su personalidad, y todas son representadas con el respeto que merecen. 

He llorado mares y, a pesar del pánico que el concepto de mortalidad me hace sentir, la película ha conseguido representarlo de una forma en la que no me ha hecho pasar miedo, sino que me reconfortado. 

Nocturnal Animals (2016)

Un problema que tengo personalmente cuando veo películas en las que hay una trama dentro de otra es que, en la mayoría de ocasiones, se nota cuál de las tramas es la principal y cuál la que la apoya: los personajes están menos desarrollados, y cuando aparece deseamos volver a la trama principal porque la trama secundaria no nos aporta nada. Esto no ocurre en Nocturnal Animals. Las dos tramas podrían funcionar perfectamente de manera independiente, pero es la unión entre ambas lo que les aporta la profundidad necesaria para comprender las motivaciones y la psicología que hay detrás de Susan y de Tony y ver las historias de una manera completamente diferente a cómo las veríamos si se nos presentaran separadamente. 

Eso sí, vais a sufrir infinito. Si sois de morderos la uñas cuando estáis nerviosos, preparad las tiritas. 

Techo y comida (2015)

María vive con Adrián, su hijo de ocho años. Es madre soltera, no tiene familia a la que recurrir, lleva casi 4 años sin trabajar y no ha pagado el alquiler en 8 meses. Esta es la premisa de una película que más que una película parece un documental y que ha saltado en trampolín hasta lo más alto de mi lista de favoritas. Me ha hecho hundirme cada vez más y más en la butaca y sentirme diminuta e impotente hasta el punto de que, cuando ha terminado, todo el mundo en la sala ha empezado a aplaudir y yo me he quedado mirando la pantalla en negro conteniendo las lágrimas y en estado de shock. Si hace las rondas por vuestros cines id a verla, por favor. Es increíble. 

Arrival (2016)

La teoría de Sapir-Whorf defiende que la lengua que hablamos moldea nuestra visión del mundo. De esto se desprende la noción de que, cuando aprendemos nuevas lenguas, nuestra concepción del mundo cambia. Esta es la base sobre la que está construida Arrival. Doce cápsulas alienígenas llegan a la Tierra, y Louise, una lingüista, forma parte del equipo que trabajará para adivinar cuál es su propósito en nuestro planeta. A medida que Louise va aprendiendo a decodificar la lengua alienígena, descubrirá una manera de ver el mundo que jamás habría podido imaginar. 

Esta película es ultra mágica y, como lingüista, ha tocado un punto especial en mi corazoncito. Os la recomiendo súper fuerte a todos: aprovechad que está en el cine para ir a verla en la gran pantalla y sumergíos en el mundo que nos presenta. 

The Young Pope (2016)

Advertencia: aunque no hay espoilers gordotes, sí que hay espoilers flojitos, aunque no hay nada fuerte destripado en plan muertes (que no quiere decir que las haya, sino que de haberlas no las destriparía) y cosas así, por eso no os preocupéis. 

The Young Pope es un canto a, nunca mejor dicho, el complejo de Dios. No solo es que Lenny se crea que es todopoderoso sino que, como el Papa Pío XIII (Jude Law), tiene poder absoluto en la Iglesia Católica y es, en efecto, virtualmente todopoderoso. Arrogante, engreído, borde y colérico, es alguien a quien sin embargo resulta difícil odiar. Combina su infinita insolencia con una moral que parece imperturbable, siguiendo ortodoxamente (para bien y para mal) el código marcado por la doctrina Católica. Y de verdad parece haber sido tocado por la gracia de Dios o, como dicen en la serie, parece que el Espíritu Santo realmente lo haya elegido, porque el hombre realiza milagros y todo.

Lenny, el hombre, vive atrapado por su pasado, por haberse criado en un orfanato de monjas y no haber tenido otra opción que dedicarse al clero, por los supuestos milagros que ha realizado a lo largo de su vida. Vive sin entablar relaciones interpersonales porque tiene un miedo atroz al dolor que estas nos causan. Y este miedo viene de la experiencia: cuando era pequeño, un día normal, sus padres lo abandonaron.
Y es precisamente el querer huir de este dolor lo que lo convierte en incorruptible y en inhumano, en un Papa imposible de chantajear por su intachable conducta moral y su completa falta de apego. Lenny, un hombre anclado en el pasado, se convierte en un Papa que insiste en cumplir a rajatabla la doctrina eclesiástica, lo que casa perfectamente con su personalidad: odia a los homosexuales y puede discriminarlos desde su posición, odia a las mujeres y puede discriminarlas desde su profesión (lo machista que es la serie es otro tema que también daría para largo), odia a la humanidad, es un tirano que ha alcanzado una posición de poder absoluto y se aprovecha de ella para abusar de todos aquellos que están bajo su mando.
Pío XIII no solo vive en el pasado simbólicamente, sino que también lo hace literalmente en el Estado de la Ciudad del Vaticano que, como todos sabemos, es un sitio lleno de señores mayores que funciona básicamente a base de complots. Más allá de las bromas, es cierto el joven Papa vive en un mundo que, como el Cardenal Gutiérrez (Javier Cámara) reconoce, está anclado en tiempos remotos. Es un reino de tal modo sobrecogedor que llega a provocar miedo, lo que resulta muy acorde a las intenciones del hombre que acaba de convertirse en su rey.

La soberbia de Pío XIII es, como el poder del Señor, infinita. Tal como él lo ve, no es que como Papa sea el representante de Dios en la Tierra, sino que él mismo es Dios. Como dice en uno de sus discursos: "That's what the Pope wants. That's what the Church wants. That's what God wants". Y esta formidable soberbia no es algo que se oculte ni se critique, sino que es exhibida y glorificada. Pío XIII considera que su soberbia no es un pecado sino una cualidad y nosotros, al ponernos de su lado, nos hacemos cómplices. La propia cabecera de la serie nos indica que Lenny se endiosa a sí mismo: vestido de blanco, lo vemos caminar por un pasillo tapizado de rojo y con las paredes cubiertas de cuadros por los que vemos brillar una estrella fugaz que termina convirtiéndose en un meteorito que arrasa con todo lo que encuentra a su paso. ¿Y qué hace nuestro Papa cuando esto pasa? Mira a cámara y nos guiña el ojo.

ASMR de simbolismo bien usado

Sin embargo, no solo de soberbia vive el hombre, y a lo largo de la temporada vemos aparecer por detrás de la muralla muestras de bondad que nos hacen darnos cuenta de que, en el fondo, este señor tiene un corazón. Y, por supuesto, lo cortés no quita lo valiente. Que veamos benevolencia en Lenny no hace que su maldad mágicamente desaparezca, pero hace que se convierta en un personaje más redondo del que nos apetece saber más. Recemos un Ave María para que la segunda temporada salga pronto. 

Hidden Figures (2016)

Una niña pequeña negra, con gafitas, adorable, está sentada en un banco de una escuela identificando las figuras geométricas que puede ver en la cristalera que tiene delante. Mientras tanto, sus padres están sentados en la oficina con el director y una profesora, que les están diciendo que es la alumna más inteligente que han visto en su carrera y que la van a adelantar de curso. Esa niña pequeña es Katherine Johnson, que se convertirá en una de las mujeres que hizo posible que la humanidad pisara la luna. La flanquean Mary Jackson, que "si fuera un hombre blanco no querría ser ingeniera: lo sería" y Dorothy Vaughan, a la que su padre enseñó "algo sobre mecánica" y que consigue aprender el código para manipular el IBM de manera autodidacta. 

El resto es historia. 

Imitation of Life (1951)

Una mujer blanca, madre soltera, pierde a su hija en la playa. Una mujer negra, madre soltera, con una hija de raza mixta, la ayuda a encontrarla. Las dos familias se mudan juntas y lo que pasa a continuación te sorprenderá. Partiendo de una situación que encaja dentro de lo que podemos llamar realismo doméstico, Imitación a la vida hablará sobre el papel de las mujeres en la sociedad, el racismo, la ambición y la concepción de lo que es una familia de una manera honesta y sensible, tratando estos temas con cariño e inteligencia y dándoles la importancia que se merecen en una época en la que su reivindicación eran considerada (incluso más fuerte que ahora) un motivo de burla. 

Bonus: si os gustan los temas que trata, os recomiendo una novela de Toni Morrison llamada Ojos Azules que trata más o menos los mismos temas pero desde la perspectiva de una feminista negra (centrándose especialmente en las secuelas del racismo).  

Clouds of Sils Maria (2014)

Maria es una actriz que, con 18 años, saltó a la fama interpretando a la joven y arrolladora Sigrid en una obra llamada Maloja Snake y que ahora, a los 40, ha sido contratada para interpretar al otro personaje principal de la obra, una ejecutiva llamada Helena que es todo lo contrario a Sigrid. En la vida real aparece una trama que funciona como un espejo a la presentada en la obra, y la una nos servirá como ayuda para interpretar la otra. Maria tendrá que enfrentarse a la concepción que tiene de sí misma y al hecho de que su personalidad está entrelazada con Sigrid, y las personas que hay a su alrededor funcionarán como "antagonistas" que intentarán convencerla de que, a pesar de lo que ella piensa, somos a la vez sujetos y objetos y, como los textos literarios, cada persona nos verá desde su propia subjetividad y nos interpretará de acuerdo a esta. 

RESUMEN. 

• Cosas que molan: está muy, muy bien escrita. Yo suelo decir que un buen guión de cine/teatro empleará recursos literarios similares a los que se utilizarían para escribir un texto narrativo, y esta película cumple de sobra con esa condición. Y el paisaje es precioso.
• Cosas que no molan: si no sois muy fans de las ambigüedades, esta película recae en ellas por completo, y somos los espectadores los que tenemos que interpretar lo que quiere decirnos.